En la exposición ”Andy Warhol. Super pop”

Llegan a Madrid Marilyn Monroe y la Sopa de Campbell 

El Independiente (13-02-2022)

La nueva exposición sobre Andy Warhol, Andy Warhol. Super Pop, abierta al público desde este sábado 12 de febrero hasta el 5 de junio, en el Palacio de Santa Bárbara de Madrid, permitirá contemplar piezas tan icónicas como Marilyn Monroe, La sopa Campbell o Mao.

La muestra, de la compañía Next Exhibition, realiza un recorrido histórico y profesional de Warhol, un viaje por la América de los años 1950, 1960 y 1970, con la participación de Art Motors y el apoyo de la Cámara de Comercio Italiana.

Así, contiene 124 piezas originales del artista pertenecientes al periodo en el que Warhol se aproxima por primera vez a la pintura, Según ha informado coordinador de exposiciones de Next Exhibition en España, Juan Montiel Rozas durante la presentación de la exposición.

Andy Warhol es conocido como uno de los fundadores del Pop Art, pero durante sus cuarenta años de carrera artística supo innovar a través de una producción en la que se conjugan el marketing, la historia del arte, la moda, la música, el diseño gráfico y el mundo del cine, de la fotografía y el entretenimiento.

La exposición hace un recorrido histórico y profesional del artista en relación con los numerosos sectores en los que trabajó. A finales de los años 40, Warhol comienza a colaborar con diversas revistas de moda y, al mismo tiempo, diseña carátulas de libros y álbumes musicales. Ya en los años 50 pasa a consagrarse como diseñador.

Cuatro secciones

Andy Warhol. Super Pop está dividida en cuatro secciones que recorren la trayectoria profesional de «uno de los artistas más importantes y reconocidos por todos», ha señalado Montiel, «mostrando algunas de sus obras másconocidas así como otras que se encuentran en un proceso de revalorización, como su serie Ladies & Gentlemen», ha añadido.

La muestra inicia con su primera sala El sueño americano, una introducción al contexto en el que el Pop Art encontró su mayor desarrollo en Estados Unidos. «El pop art nace en Gran Bretaña pero tiene su mayor desarrollo en Estados Unidos, debido al sueño americano en el que cualquier persona que pudiera ir -se suponía que trabajando- podía enriquecerse y tener un nivel de vida muy bueno», ha explicado.

«Warhol emplea los elementos de la cultura popular americana, del consumismo, para acercarse al espectador llegando a democratizar la obra de arte a un nivel nunca visto», ha expresado.

En esta primera sala se puede encontrar latas de la sopa Campbel, el gold book de Warhol –un libro que elaboraban los diseñadores gráficos en los años 60 y que enviaban a las editoriales para conseguir encargos–, y algunos de sus primeras creaciones como diseñador gráfico.

Un retrato icónico

Tras ello, en la segunda sala, se aborda la revolución técnica que realizó el Pop Art mediante el uso de los sistemas de producción industrial en serie para la producción de piezas de arte.

En este sentido, en esta sección se pueden observar los diferentes retratos deMarilyn Monroe. «La fama que tiene hoy en día Marilyn Monroe, sin desestimarla por el trabajo que ella realizó, se debe mucho a Andy Warhol. Porque tras morir, él cogió una fotografía y la convirtió en el icono que es hoy día», ha subrayado Montiel.

Sexo, género y opresión, «una visión más compleja»

La muestra prosigue con la serie Ladies and Gentleman (1974-1975) en la que el artista retrató a la comunidad Drag Queen y transexual de Nueva York. «Aquí Warhol está hablando de sexo, de género y de opresión. Esta exposición permite al visitante tener una visión más compleja del trabajo de Warhol más allá de la Marilyn o de la sopa Campbell», ha puntualizado.

Asimismo, la exposición se completa con un área infantil en donde los más pequeños pueden «despertar a su artista interior» junto con un área multimedia en el que el visitante podrá conocer «un poco más a fondo la figura del artista mediante una entrevista a una de sus musas» ha explicado Montiel.

Finalmente, según ha señalado, la exposición concluye con dos elementos fundamentales para entender el éxito de Andy Warhol: «Por un lado, la visión del arte como un negocio y del artista como un empresario y, por otro, la capacidad de crear un arte accesible para todos y todas».

La muestra cuenta también con polaroids del artista realizadas con su cámara ‘Big Short’, diversas obras que muestran a estrellas y modelos y aborda la relación entre moda y arte a través del empleo de nuevos soportes como las camisetas, que Warhol usó como si fueran lienzos, para realizar serigrafías de otros artistas.

Arte

 

Pintar con flores

Por Mariángeles García en Yorokobu.es

Harriet Parry ve cuadros en los ramos de flores. O quizá sea al revés, ve flores en las obras de arte, ya sean fotos o lienzos clásicos y contemporáneos que contempla. Lo que está claro, sea cual sea la mirada, es que esta artista británica hace arte con las plantas y reinterpreta con ellas las pinturas y fotografías de grandes artistas de todos los tiempos. Es lo que ella llama Flower Interpretations.

Parry empezó con el arte floral en 2012 en un estudio londinense. Pero su creatividad, afirma, estaba demasiado reprimida al trabajar para otros. Así que decidió montar su propio negocio para darle una vuelta a la floristería tradicional.

Las flores y la naturaleza siempre han sido una parte importante de mi vida, ya que crecí en una granja, rodeada de campo —rememora—. Mi abuela tenía un hermoso jardín, que siempre me intrigó y fascinó. Esto, junto con mi formación en Bellas Artes, ha hecho que la floristería se convirtiera en una salida natural y ha permitido que mis diseños florales encuentren su hogar entre el mundo del arte y el de la floristería, utilizando las flores como medio.

Hace tres años decidió experimentar algo diferente con los ramos de flores que creaba. La idea se le vino a la cabeza contemplando las reproducciones artísticas que tenía en su casa. Tengo en los armarios de mi cocina postales de arte que me encantan de todas las exposiciones a las que he asistido a lo largo de los años. Hacía tiempo que miraba algunas de las pinturas, dibujos y fotografías y veía variedades de flores dentro de las formas, líneas y texturas. Veía el arte como composiciones florales. Esto me llevó a iniciar mi serie Flower Interpretations, un proyecto personal que me ha permitido una total libertad para expresar mi espíritu lúdico, mi creatividad y mi imaginación.

Lo que surge de sus dos pasiones, el arte y las flores, es una nueva expresión, algo completamente nuevo», asegura. «También me encanta poder presentar a los espectadores nuevos artistas, contemporáneos y clásicos. Veo estas obras como una colaboración entre las flores, el artista original que estoy interpretando y yo.

No hay requisitos específicos para que un cuadro pueda ser reinterpretado con flores. Basta con que llame su atención y conmueva a la artista floral de alguna manera. Puede ser el tema, los colores, los dibujos, el estilo o la estética en general.

Una vez que ha elegido la obra que va a reinterpretar, selecciona las flores para componer las texturas, los colores, las formas… Aunque no siempre es así. En ocasiones, son las plantas las que le sugieren qué cuadro o foto interpretar. Suele ocurrir cuando tengo restos de un trabajo anterior —explica—; me gusta reciclar y reutilizar siempre que puedo. En este orden, miro las flores y pienso en qué obra de arte me recuerdan.

Después, coloca una tela de fondo con un color que predomine en la obra elegida. Cada interpretación, cuenta la florista, es diferente. Unas se acercan a un arreglo floral más típico, mientras que otras están más próximas al ámbito de la escenografía. Sea como sea, lo hace de manera intuitiva, sin premeditación, porque le gusta esa sensación de frescura que rezuman sus composiciones.

Además de las flores y el follaje, a menudo recurro a objetos inusuales; utilizo parafernalia de floristería o diferentes jarrones y recipientes para dar a mi obra una capa inesperada, comenta.

Las interpretaciones de Harriet Parry no siempre representan de forma fidedigna la obra original en cuanto a la colocación de las flores y otras composiciones. Intento dejar espacio para que exista una nueva obra de arte y para que el espectador tome lo que desee del diseño. Mis obras parecen asemejarse al original, pero están ligeramente desviadas.

El mayor reto al que se enfrenta Parry para hacer sus composiciones es la vida de las flores que utiliza y lo delicadas que estas sean. De alguna manera, podría decirse que lo suyo es arte efímero ya que el tiempo para crear sus interpretaciones está limitado al ciclo vital de las plantas. Factores como el agua (o su escasez), la luz directa sobre las flores o que estas estén algo pasadas añade presión al trabajo de la artista. Toca correr para que todo luzca con el esplendor óptimo.

A menudo, los pétalos pueden estar a punto de caerse o un tallo empieza a doblarse, lo que puede cambiar el aspecto de la pieza. Si se hacen numerosas fotos a lo largo de un periodo de tiempo, se puede ver cómo las flores cambian y se mueven, y estos elementos pueden formar parte de los detalles de la interpretación, especifica.

Por suerte, asegura, tengo una mano muy firme y delicada, lo que me resulta muy útil a la hora de llevar a la práctica mi obsesión por los detalles y el intrincado estilo floral.

Fotografía

El primer abrazo

 

Llega a Madrid la exposición World Press Photo 2021 

Por Anabel Palomares en Trendencias.com

En 1955 una pequeña exposición pública de fotografías de prensa sembraba la semilla de lo que a día de hoy es una de las exposiciones fotográficas más importantes del mundo: World Press Photo.

En ella, y después de un complicado concurso, se muestran imágenes del último año que nos acercan a la realidad más abrumadora con imágenes impactantes de fotógrafos de todo el mundo.

Organizadas en ocho categorías -como Temas contemporáneos, Naturaleza o Deportes y Retratos- son obra de 45 fotógrafos y fotógrafas de 28 países, que se han elegido de un total de 74.470 fotografías que se han presentado al concurso, de 4.315 profesionales de 130 países.

Esta prestigiosa exposición de fotoperiodismo ha llegado a Madrid después de que el año pasado no pudiera celebrarse. Estará disponible del 6 de noviembre al 8 de diciembre en la sede del Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid.

La muestra consigue ser una especie de memoria colectiva con fotografías sobre el amor, la naturaleza, la covid-19 o los disturbios en Estados Unidos que son un reportaje perfecto sobre un año y todo lo que sucede en él.

Nos muestran la realidad del mundo desde los lugares donde ocurre todo y se ha convertido en todo un éxito de público: la exposición itinerante tiene tres millones y medio de personas en más de cien ciudades de cuarenta países en todo el mundo en cada una de sus ediciones anuales.

Mads Nissen ha sido el ganador del premio World Press Photo de este año 2021 y ganador del primer premio en la categoría de imagen única de Noticias generales. Su obra, El primer abrazo (fotografía que ilustra este artículo), es una historia de esperanza y amor en tiempos difíciles, tal y como él mismo ha explicado en un vídeo.

El fotógrafo de origen danés retrató el abrazo en una residencia de ancianos en São Paulo de Rosa Luzia Lunardi, de 85 años, y la enfermera Adriana Silva da Costa Souza. Es cruda, pero tierna y cercana, muy cercana, en un año en el que la pandemia ha sido sin duda, una situación que nos ha afectado a todos.

También hay representación española, la de Aitor Garmendia que ganó el tercer premio en la categoría de Medio Ambiente con una serie de imágenes que reflejan el maltrato animal en la industria porcina española; o la de Jaime Culebras, tercer premio en Naturaleza en la modalidad de fotografía individual con Rana de Cristal.

Claudia Reig, ganadora del certamen de narrativa digital por su pieza Parir en el siglo XXI, es otra representante española del concurso que con su documental interactivo sigue a cinco mujeres durante su embarazo y parto, antes y durante la pandemia del coronavirus.

Imágenes como la de Oleg Ponomarev que reflejan duras historias LGTBIQ+ como la de Ignat, un hombre transgénero al que vemos sentado con su novia María en San Petersburgo, Rusia. O la imagen de un hombre herido cerca del lugar de una explosión masiva en el puerto de Beirut, Líbano, realizada por Lorenzo Tugnoli para The Washington Post.

Nuevo espacio dedicado al arte moderno y contemporáneo

Así es el Moco Museum de Barcelona

Efe

El Museo Moderno Contemporáneo (Moco) ha abierto una sede en la calle Montcada de Barcelona en la que exhibe una cuarentena de obras de artistas emergentes y también de autores consagrados internacionalmente, entre ellos Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat, Banksy, Salvador Dalí, Damien Hirst, Keith Haring y KAWS.

El museo es una iniciativa privada, promovida por sus fundadores, Lionel y Kim Logchies, quienes son propietarios de alrededor de un veinte por ciento de las obras expuestas, mientras que el resto son piezas prestadas por coleccionistas del arte.

Según explicó a EFE Lionel Logchies, el Museo Moderno Contemporáneo de Barcelona pretende ser una radiografía de lo que es el arte hoy en día, con una mezcla de piezas artísticas modernas y contemporáneas.

El museo contará con una colección permanente y con exposiciones temporales, como la que presenta el artista chileno Guillermo Lorca.

Lorca presenta en el Moco, por primera vez en Europa, una muestra individual de sus obras, durante un periodo de un año, en dos de las salas del museo, con unas piezas que combinan la magia con el realismo.

Mis obras son una lucha entre la naturaleza y la humanidad - ha resumido el artista chileno.

Además de las esculturas y los cuadros físicos, todos ellos con un certificado de autenticidad, habrá espacios ocupados por el arte inmersivo digital de TeamLab, Les Fantômes y Studio Irma, un espacio lleno de imágenes en movimiento, luces, paisajes, colores cambiantes y espejos.

El Moco será también el primer espacio expositor de Europa que acogerá la última revolución del mundo del arte, las obras digitales acuñadas en NFT, un sistema que certifica el origen y el historial de cada pieza, con obras raras y únicas que expresan lo que será el futuro del arte digital, ha señalado Logchies.

Un primer Moco se abrió en 2016 en Ámsterdam con el mismo modelo de museo inclusivo y, desde entonces, ha recibido unos dos millones de visitantes de más de 120 nacionalidades, un éxito que esperan repetir en la capital catalana, donde cuentan con un mayor espacio expositivo.

El museo abrió sus puertas el pasado día 16 en el Palacio Cervelló, una antigua residencia privada que desde la Edad Media y hasta el siglo XX perteneció a la realeza, a aristócratas y a grandes comerciantes, y que ahora el estudio de arquitectura Studio Pulsen ha adaptado para crear un gran espacio moderno y contemporáneo.

La adquisición de este palacio por parte de Moco Museum, junto al Museo Picasso, es un reflejo de su primera propuesta en la Villa Alsberg (1904) en Ámsterdam, un edificio también histórico del siglo XIX.

Con la selección de estos edificios lo que se pretende, según la gerente de Asuntos del Museo, Birthe Faessen, es hacer accesibles espacios que antes eran de las élites para mostrar que el arte es accesible para todo el mundo.

De cara al futuro, Faessen ha explicado que ya están trabajando para poder exponer más obras, y así su objetivo es abrir una tercera planta en el museo donde poder mostrar todavía más arte al mundo.