Arte

 

Buscando un mejor entorno que permita la movilidad internacional

ARCOmadrid 2021 se celebrará del 7 al 11 de julio

LQYTD (30-09-2020)

IFEMA y el Comité Organizador de ARCOmadrid han acordado trasladar excepcionalmente la celebración de la 40 ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo a la semana del 7 al 11 de julio de 2021. Una meditada decisión impulsada por la permanente voluntad de ofrecer una feria con garantías de éxito comercial para las galerías participantes, en unas fechas en las que previsiblemente se vivirá un mejor entorno que permita la movilidad internacional, y con ello el encuentro con galerías, coleccionistas y profesionales de todo el mundo, y que permita el desarrollo de la Feria en un contexto económico más estable.

En esta decisión ha tenido un importante peso la celebración del 40ª Aniversario de la Feria, una edición que se está proyectando de forma especial un programa de amplia repercusión a nivel internacional, que se verá afianzado en sus nuevas y excepcionales fechas de celebración. Asimismo, su convocatoria en julio permitirá ampliar el tiempo de trabajo y preparación de proyectos a galerías, instituciones y agentes de la ciudad de cara a la celebración de ARCOmadrid 2021, y garantizar a profesionales llegados de todos los rincones del mundo, y al público, un contexto más seguro y unas condiciones sociales y comerciales más favorables.   

La internacionalidad de la feria y la calidad de sus contenidos artísticos seguirán rigiéndose como pilares esenciales de ARCOmadrid 2021 en una especial edición, la de su 40 Aniversario, que aspira a ser momento de reencuentro y reactivación de nuevas oportunidades para todo el sector del arte contemporáneo.

La próxima convocatoria de ARCOmadrid reunirá, como parte de su homenaje al sector en estos 40 años de historia, a una selección de grandes nombres del galerismo internacional, galerías que han tenido presencia en la feria a lo largo de su trayectoria, y que serán invitadas a participar en la sección “ARCO 40 Aniversario” -comisariada por María Inés Rodríguez, directora de Tropical Papers y comisaria adjunta de arte moderno y contemporáneo de MASP, São Paulo; Sergio Rubira, Comisario independiente y Profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, y Francesco Stocchi, comisario de Arte Moderno y Contemporáneo del Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, y co-curador de la 34ª Bienal de São Paulo-.

Esta especial participación se presenta como complemento a los contenidos que presentarán las galerías seleccionadas por el Comité Organizador en el Programa General, y las participantes en la sección Opening, cuya selección será realizada por Övül Durmuşoğlu, crítica y comisaria independiente, Berlín, y Julia Morandeira, comisaria e investigadora, Madrid.

 

En la sala CentroCentro de Madrid

Botero, 60 años de pintura

Fernando García (La Vanguardia 17-09-2020)

Vuelve Fernando Botero a Madrid con sus excesos y deformaciones. Vuelve con sus colores rotundos y sus tallas grandes. Lo hace a través de una gran exposición con 67 obras de formato igualmente grande montada en las amplias salas del espacio CentroCentro que el Ayuntamiento de Madrid alberga en su sede de la plaza de Cibeles. Una alegría para la vista en estos tiempos tristones y nada fáciles para el arte.

La muestra, titulada Botero: 60 años de pintura, es una retrospectiva que en realidad recorre medio siglo de su trayectoria y se centra más bien en los últimos tres decenios del autor, e incluye algunas de los recientes trabajos que viene haciendo en acuarela sobre lienzo: la última innovación en un artista con un estilo muy marcado pero siempre abierto a “experimentar, cuestionar y reinventar sus propias barreras”, en palabras de la comisaria de la monográfica, Cristina Carrillo de Albornoz.

La muestra, que permanecerá abierta hasta el 7 de febrero, se surte de préstamos de coleccionistas particulares europeos y ha sido organizada entre la empresa Arthemisia y el consistorio madrileño. El propio alcalde, José Luis Martínez-Almeida, la presentó el pasado día 16 junto a la hija del artista colombiano, quien debido a sus 88 años de edad y pese a encontrarse “en plena forma” –según ella– no viajó a la capital española “por prudencia”.

La exposición incluye piezas muy recientes de acuarela en lienzo: lo último de un artista que no para

Relación estrecha con España

Botero conoció España en 1952, cuando tenía 20 años. “Vino como estudiante de Arte. Un estudiante muy pobre”, recuerda su hija en conversación con La Vanguardia. Si el joven pintor pudo saltar el charco fue gracias al dinero que recibió al ganar el segundo premio del IX Salón Anual de Artistas Colombianos en Bogotá, en concreto por su cuadro Frente al mar. Después de una breve estancia en Barcelona, se instaló en Madrid para matricularse como estudiante en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

“Él se dedicó a copiar a los grandes maestros del Prado para aprender todo lo que pudo de ellos. Pues fue aquí donde por fin se encontró con el gran arte, la gran pintura en los museos; algo que no existía entonces en Colombia. Y aquí le surgieron infinitas posibilidades plásticas, y especialmente el tema de la corrida de toros, tan importante en su obra”, prosigue Lina Botero. Por eso, “y aunque en aquel tiempo pasó hambre y penalidades”, la posibilidad de regresar ahora con sus pinturas a Madrid –donde ya presentó sendas exposiciones en el Reina Sofía en 1987 y en el 1994 con esculturas monumentales en el paseo de Recoletos– representa para él “una emoción enorme”.

Viene al caso hablar de la juventud de Botero no sólo porque estemos ante una retrospectiva con cuadros suyos desde el año 1967 (Ecce Homo ) –y hasta el año pasado, con ocho acuarelas de temas variados–, sino por la importancia que la adolescencia y la infancia tienen en toda la producción del artista de Medellín. “Los recuerdos de cuando era niño o muy joven forman el núcleo de la obra de mi padre”, explica la hija. Aunque esto ya lo dejó escrito él mismo: “Mi pintura refleja un mundo que conocí durante mi juventud. Es una especie de nostalgia u obsesión que he convertido en el tema central de mi trabajo”.

Los 67 cuadros colgados en CentroCentro son una muestra generosa del arte pictórico de Botero. Sobre todo teniendo en cuenta el tamaño de las telas –casi siempre de más de 150 X 100 centímetros y en muchos casos superiores a los 200 X 150–, y las especiales dificultades para mover las piezas bajo las restricciones debidas a la pandemia. Pero el colombiano siempre fue un creador prolífico, y el conjunto de su producción consta de unos 3.000 óleos, algo más de 200 esculturas y alrededor de 12.000 dibujos a lápiz, carboncillo, pastel y sanguina.

Fascinado por un circo ambulante

 “Él nunca ha parado de trabajar”, continúa Lina Botero. Y recuerda cómo empezó a cultivar el tema del circo durante su mes de teóricas vacaciones. Fue hace 14 años en Zihuatanejo, un pueblo de pescadores en la costa pacífica de México. Una farándula ambulante atravesó la localidad en procesión para anunciar su llegada y próximas funciones. “Recuerdo que era un circo muy humilde pero muy bello. Mi padre quedó fascinado y enseguida se puso a dibujar figuras de los miembros de la compañía que luego convertiría en grandes óleos”.

Diez de aquellas pinturas, ejecutadas entre los años 2007 y 2008, conforman una de las siete secciones de la muestra de Madrid (“Circo”). Hay en ella, por supuesto, retratos de payasos, trapecistas, músicos, un contorsionista... Todos ellos con una cierta expresión de tristeza que choca con los vivos colores en que están pintados. Y todos en acción, como corresponde a su naturaleza, pero “con la serenidad y la estática propias de los personajes boterianos”, subraya la comisaria. La visión del desfile en Zihuatanejo llevó a Botero –añade– a “una profunda reflexión sobre el circo en tanto que tema artístico universal” tratado por maestros de gran impacto en su obra, como Picasso, Degas, Renoir, Matisse o Seurat.

Si la infancia es la columna vertebral del relato artístico de Botero, Colombia en particular y el sur de América en general son su asiento principal. De ahí que el repaso expositivo en Madrid se abra con la sección llamada “Vida latinoamericana”, formada por óleos de entre 1989 y 2006 como Bailarina en la barra, Mujer sentada, El baño, El final de la fiesta o el díptico El presidente y La primera dama, esta última adscrita a su serie de pinturas sobre políticos, militares y obispos.

Otro de los espacios de la muestra se dedica a la “Religión”, entendida como “excusa para explorar pictóricamente las situaciones, las formas, los colores, el vestuario y el mundo plástico y poético del clero, con humor y sátira”, según la comisaria. Las otras secciones son: “Versiones”, con las pinturas que hizo en homenaje a los grandes maestros de la historia del arte, como Velázquez, Piero della Francesca, Jan van Eyck o Rubens; “Naturaleza muerta”, donde unas Flores , una Pera o unas Piñas le sirven para explorar lo que llama “la naturalidad de la deformación”; “La corrida”, nutrida con escenas o simples figuras humanas y animales de la fiesta; y “Acuarelas sobre lienzo”, con esas ocho piezas recientes sobre temas que antes había tocado al óleo, como Carnaval, Guitarrista o Familia. No es todo Botero pero sí Botero a lo grande, como en él corresponde.

Las 10 pinturas más famosas del mundo

 

¿Cuáles  son las pinturas más famosas del mundo? ¿Las más visitadas en los museos en los que están expuestas? ¿Las que han alcanzado cifras más astronómicas en las subastas? ¿Las más conocidas por el ciudadano de a pié?   

La agencia CNN ha establecido un “ranking” en el que las diez primeras son estas:

Cada año, miles de millones de dólares en arte pasan por las casas de subastas internacionales, mientras que los principales museos tienen decenas de miles, incluso cientos de miles, de obras de arte en sus colecciones. Pero muy pocos logran la fama requerida para ser realmente considerados nombres conocidos.

Como “famoso” es un término subjetivo, CNN Estilo recurrió a Google para ver qué cuadros encabezaron los resultados de búsqueda en todo el mundo durante los últimos cinco años.

Comparamos docenas de obras maestras populares, desde clásicos como “Mona Lisa”, “The Great Wave off Kanagawa” y “Salvator Mundi”, hasta obras más modernas como “Nighthawks” e incluso la serie “Dogs Playing Poker”.

Basado en esos resultados, estas son las 10 pinturas más buscadas del mundo:

1. Mona Lisa

Si tenías dudas sobre la gran popularidad de “Mona Lisa”, las multitudes en el Louvre lo convencerán.

Artista: Leonardo da Vinci

Fecha estimada: 1503 a 1519

Dónde verlo: Museo del Louvre (París)

No debería ser una sorpresa que la pintura más famosa del mundo sea esa misteriosa mujer con la enigmática sonrisa. Pero esa es una de las pocas certezas sobre esta obra de arte.

Se cree que la modelo de la pintura es Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de Florencia Francesco del Giocondo, pero los expertos no están seguros. Representaba una innovación en el arte: la pintura es el primer retrato italiano conocido que se enfoca tan de cerca en la modelo en un retrato de medio cuerpo, según el Louvre, donde se instaló por primera vez en 1804.

Sabías que: Antes del siglo XX, los historiadores decían que la Mona Lisa era poco conocida fuera de los círculos artísticos. Pero en 1911, un ex empleado del Louvre robó el retrato y lo escondió durante dos años. Ese robo ayudó a cimentar el lugar de la pintura en la cultura popular desde entonces y expuso a millones de personas al arte renacentista.

2. La última cena

Visitantes toman fotos de “La Última Cena” (“Il Cenacolo o L’Ultima Cena”) en el Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia.

Artista: Leonardo da Vinci

Fecha estimada: 1495 a 1498

Dónde verlo: Santa Maria delle Grazie (Milán, Italia)

Leonardo, el “Hombre del Renacimiento” original, es el único artista que aparece en este lista dos veces.

Pintado en una época en la que las imágenes religiosas todavía eran un tema artístico dominante, “La Última Cena” representa la última vez que Jesús partió el pan con sus discípulos antes de su crucifixión.

La pintura es en realidad un gran fresco: mide 4,6 metros de alto y 8,8 metros de ancho, lo que lo convierte en una vista memorable.

Sabías que: El fresco ha sobrevivido a dos amenazas de guerra: las tropas de Napoleón usaron la pared del refectorio en el que se pintó el fresco como práctica de tiro. También estuvo expuesto al aire durante varios años cuando los bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial destruyeron el techo del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.

3. La noche estrellada

Turistas miran “La noche estrellada” de Vincent Van Gogh en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Artista: Vincent van Gogh

Fecha: 1889

Dónde verlo: Museo de Arte Moderno (Nueva York)

La pintura comparativamente abstracta es el ejemplo característico del uso innovador y audaz de pinceladas gruesas de van Gogh. Los llamativos azules y amarillos de la pintura y la atmósfera de ensueño y remolinos han intrigado a los amantes del arte durante décadas.

Sabías que: Van Gogh vivía en un manicomio en Saint-Rémy, Francia, en tratamiento por enfermedad mental, cuando pintó “La noche estrellada”. Se inspiró en la vista desde la ventana de su habitación.

4. El Grito

“El Grito” de Edvard Munch siendo instalado para una exposición especial en el Museo Metropolitano de Arte de Tokio.

Artista: Edvard Munch

Fecha: 1893

Dónde verlo: Museo Nacional (Oslo, Noruega – apertura en 2020) y Museo Munch (Oslo – hasta mayo de 2020)

Primero lo primero: “El Grito” no es una sola obra de arte. Según el blog del Museo Británico, hay dos pinturas, dos pasteles y luego un número no especificado de impresiones. Las pinturas residen en el Museo Nacional y el Museo Munch, y en 2012, uno de los pasteles se vendió por casi 120 millones de dólares en una subasta.

Al igual que el caso de “Mona Lisa”, los atrevidos robos (1994 y 2004) de las dos versiones de pintura de “El Grito” ayudaron a elevar la conciencia del público sobre las obras de arte. (Ambos fueron finalmente encontrados).

Sabías que: La figura andrógina en la vanguardia de la pintura de estilo Art Nouveau no está dando un grito, sino que está tratando de bloquear un grito penetrante que proviene de la naturaleza. Se inspiró en una experiencia real que Munch tuvo mientras daba un paseo al atardecer en Oslo cuando un tono rojo dramático abrumaba sus sentidos.

5. Guernica

Vista del “Guernica” de Pablo Picasso en el Museo Reina Sofía de Madrid, España.

Artista: Pablo Picasso

Fecha: 1937

Dónde verlo: Museo Reina Sofía (Madrid)

Esta es la pintura más reciente en esta lista, y representa el bombardeo aéreo alemán de la ciudad de Guernica durante la guerra civil española.

La pintura tiene ese estilo distintivo de Picasso, y su examen inquebrantable de los horrores de la guerra la convirtió en una parte esencial de la cultura y la historia del siglo XX.

Sabías que: El “Guernica” fue trasladado al Museo Metropolitano de Arte Moderno de Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial para su custodia. Picasso solicitó que se extienda la estancia hasta que la democracia regrese a España. Finalmente regresó a Madrid en 1981, seis años después de la muerte del dictador español, el general Francisco Franco.

6. El beso

Visitantes admiran “El beso” de Gustav Klimt en el Belvedere Superior de Viena, Austria.

Artista: Gustav Klimt

Fecha estimada: 1907 a 1908

Dónde verlo: museo Upper Belvedere (Viena, Austria)

Con el número 6, pasamos de un estudio de odio a un estudio de amor con el amado beso de Gustav Klimt.

Del “Período Dorado” de Klimt, las influencias artísticas bizantinas se pueden ver en las túnicas altamente decorativas que usa la apasionada pareja de tamaño natural.

El museo Upper Belvedere dice que con “El beso”, Klimt hace una “declaración alegórica general sobre el amor como el corazón de la existencia humana”. Dado su atractivo magnético, parece que la gente está de acuerdo.

Sabías que: Si bien “The Kiss” no está a la venta, otras obras de Klimt se compran y venden por grandes sumas. Oprah Winfrey se quedó con la obra de arte de 1907, “Retrato de Adele Bloch-Bauer II”, por $ 150 millones en 2016, con una ganancia de $ 60 millones.

7. La joven de la perla

Un periodista toma una foto de “La joven de la perla” de Johannes Vermeer en el Museo Mauritshuis en La Haya, Países Bajos.

Artista: Johannes Vermeer

Fecha estimada: 1665

Dónde verlo: Mauritshuis (La Haya, Países Bajos)

Este intrigante favorito a menudo se compara con la “Mona Lisa”. Además de las diferencias estilísticas, técnicamente “Girl With a Pearl Earring” no es ni siquiera un retrato, sino un “tronie”, una palabra holandesa para una pintura de una figura imaginaria con rasgos exagerados.

La obra maestra del óleo sobre lienzo es brillante en su simplicidad. La niña, que llevaba un turbante azul y dorado y un arete de perlas de gran tamaño, es todo el foco con solo un fondo oscuro detrás de ella.

Sabías que: Mientras que los Mauritshuis fueron renovados de 2012 a 2014, esta obra de arte hizo una gira en Estados Unidos, Italia y Japón. Atrajo a grandes multitudes, reforzando aún más su estatus como una de las obras de arte más famosas del mundo.

8. El nacimiento de Venus

Un periodista examina “El nacimiento de Venus” del pintor italiano Sandro Botticelli durante una vista previa de la prensa en la Galería Uffizi en Florencia, Italia, en octubre de 2016.

Artista: Sandro Botticelli

Fecha estimada: 1485

Dónde verlo: Le Gallerie Degli Uffizi (Florencia, Italia)

‘El nacimiento de Venus’, es la pintura más antigua en el top 10 y compite con “El beso” entre los más sensuales fue probablemente comisionado por un miembro de la familia Medici, rica y amante del arte, que gobernó Florencia y las áreas cercanas durante siglos.

Al casarse con un renovado interés en la cultura griega clásica con el estilo del Renacimiento temprano, Botticelli crea una figura inolvidable con la Diosa del Amor que emerge de una enorme concha de vieira.

Sabías que: “Venus” de Botticelli presenta dos desviaciones significativas de la mayoría de las otras obras de sus contemporáneos.

Primero, pintó sobre lienzo en lugar de la madera, que era más popular. En segundo lugar, la desnudez era rara en este momento, por lo que era atrevido que Venus estuviera completamente expuesta menos su cabello largo y suelto y una mano (apenas) cubriendo las partes más íntimas de su cuerpo.

9. Las Meninas

“Las Meninas” de Diego Velázquez se ve en el museo del Prado el 19 de noviembre de 2013 en Madrid, España. (Crédito: Denis Doyle / Getty Images)

Artista: Diego Velázquez

Fecha: 1656

Dónde verlo: Museo del Prado (Madrid)

Madrid es la única ciudad en este resumen donde encontrarás dos de las 10 pinturas más famosas; la primera es “Guernica” en el número 5 y “Las Meninas”, aquí en el número 9.

 

Ubicado en el popular (y vasto) Museo del Prado, ”Las Meninas” no es solo la pintura más famosa de Diego Velázquez, sino también una de las más grandes. La complejidad del trabajo ha fascinado a los críticos de arte y al público durante siglos.

La pintura cumple una doble función como retrato. Sirve como un retrato grupal de la realeza española, pero también es un autorretrato del propio Velázquez en la obra (a la izquierda)

Sabías que: “Las Meninas” fue encargada por el rey Felipe IV de España, que gobernó desde 1621 hasta 1665. Permaneció en el palacio real hasta 1819, cuando fue al Museo del Prado.

10. ‘Creación de Adán’

Artista: Miguel Ángel

Fecha: 1508 a 1512

Dónde verlo: Capilla Sixtina (Ciudad del Vaticano)

La obra más famosa del reconocido artista Michelangelo cubre una sección del techo de la Capilla Sixtina (tienes que mirar hacia arriba para verlo). La escena representa a Dios y a Adán con los brazos extendidos, sus dedos casi tocándose. Es una de las imágenes más replicadas de la historia.

La forma muscular de Adán insinúa el otro talento de Miguel Ángel: su “David” es posiblemente la escultura más famosa del mundo. Puedes ver la imponente estatua de mármol en la Galleria dell’Accademia en Florencia.

Sabías que: El techo de la Capilla Sixtina había sido opacado por siglos de exposición al humo de las velas, entre muchas otras cosas. Después de una limpieza larga y extensa que terminó en 1989, la gente se sorprendió al ver los colores brillantes y vibrantes que Miguel Ángel usó originalmente.

Otras cinco pinturas que se acercaron

Aquí hay cinco pinturas más famosas que estuvieron cerca de entrar en la lista de las 10 principales:

– American Gothic (Grant Wood, Instituto de Arte de Chicago)

– Serie “Lirios de agua” (Claude Monet, varios museos en todo el mundo)

– “La persistencia de la memoria” (Salvador Dali, Museo de Arte Moderno de Nueva York)

– “La Guardia Nocturna” (Rembrandt, Rijksmuseum en Amsterdam)

– “El Jardín de las Delicias” (Hieronymus Bosch, Museo del Prado, Madrid )