Arte

Maniquíes de peluquería (Hairdressing dolls), 1927

 

Pensando sobre todo en la segunda mitad del año

El  Guggenheim programa ocho exposiciones

Por Maialen Ferreira en elDiario.es (18-01-2021)

La aportación de las mujeres artistas a la abstracción en los años 1860-1980, los 'locos años 20' o el pasado que esconde el propio Bilbao, son algunos de los protagonistas de la programación del Museo Guggenheim de Bilbao este 2021, que tiene como plato fuerte la primera retrospectiva que se hace en España de la artista estadounidense Alice Neel, poco reconocida en Europa, pero de gran relevancia en Estados Unidos.

La programación, que fue presentada este lunes cuenta con ocho exposiciones que se mostrarán a lo largo de todo el año: Bilbao y la Pintura, del 29 de enero al 29 de agosto; Hay una ley, hay una mano, hay una canción, del 19 de febrero al 13 de junio; Los locos años veinte, del 7 de mayo al 19 de septiembre; La línea del ingenio del 11 de junio al 6 de febrero del 2022; Lighting Dance del 24 de junio al 26 de septiembre; Alice Neel: Come First, del 17 de septiembre al 23 de enero del 2022; 'La notación del movimiento de Noa Eshkol del 7 de octubre al 27 de febrero del 2022 y, por último, Mujeres de la abstracción, del 22 de octubre al 27 de febrero de 2022.

"La programación –según explicó el director del Museo, Juan Ignacio Vidarte, mantiene un equilibrio a lo largo del año y en ella destacan por un lado es que hay varias exposiciones corales, con una amplia y muy diversa presencia de artistas y de medios; y por otro, que hemos intentado buscar ciertas yuxtaposiciones. En la primera mitad del año coinciden en el tiempo dos exposiciones que centran su mirada en el pasado, hace cien años o más, cuando tanto en Bilbao como en Europa se estaba saliendo de una crisis, de guerras, de pandemias. Bilbao y la Pintura refleja ese momento a finales del siglo XIX y principios del XX cuando Bilbao vive tres guerras civiles y tres epidemias de cólera; en el caso de Los locos años veinte Europa está saliendo del trauma de la Primera Guerra Mundial, pero además también de una situación pandémica como es la gripe española. Hemos querido que se yuxtapongan en el tiempo esas dos miradas de manera que en la segunda mitad del año hay una visión muy centrada en el ámbito de las mujeres artistas".

A lo largo de este 2021, el Museo Guggenheim de Bilbao ha querido dar un papel importante a las mujeres artistas con su exposición Mujeres de la abstracción, con la que, según Lehka Hileman Waitoller, una de sus comisarias, se contemplan cuestiones como si es realmente necesario tener exposiciones solo sobre artistas femeninas o qué significa para cada una de ellas ser mujer y artista. En la exposición se encuentran artistas que pensaban que su obra iba más allá del género y no se identificaban como mujeres artistas, mientras que hay otras que basaban su obra exactamente en eso, en que son mujeres. "Hay artistas en la exposición que son antifeministas, no querían identificarse con el movimiento del feminismo y otras que tienen mucho que ver con el movimiento feminista y contribuían a él. El tema es complejo, es diferente para cada una y depende de su momento, de sus condiciones y del lugar del que vienen".

Bilbao y la pintura

La exposición Bilbao y la Pintura, comisariada por Kosme de Barañano, estará disponible en el museo desde el 29 de enero hasta el 29 de agosto de 2021. Se trata de una selección de pinturas realizadas por artistas que trabajaban en Bilbao a finales del siglo XIX y comienzos del XX y cuenta con obras de hace un siglo de Guiard, Arteta o Zubiaurre. Las obras, grandes panorámicas pictóricas, representan momentos muy diversos de la historia de Bilbao: los barcos comerciales en la ría y las terrazas dedicadas al ocio; la vida de los burgueses y los aldeanos; los remeros y regatistas; las fiestas de los bautizos y la siega en las aldeas; la muerte en la mar y en la guerra; los héroes del deporte, las faenas cotidianas en un puerto pesquero o los trajes tradicionales de 'dantzaris'.

"Hemos querido destacar el papel internacional que tenía Bilbao y que hoy mantiene, pero que en aquel momento era algo muy inusual. Sus artistas tuvieron una proyección internacional muy importante. En estas obras podemos ver cómo era la sociedad bilbaína en aquella época. No solo la burguesa, aldeanos, comerciantes o banqueros convivían todos juntos", ha explicado Petra Joos, miembro del equipo curatorial del museo.

Film & Video: Alex Reynolds. 'Hay una ley, hay una mano, hay una canción'

Se trata de una de las tres vídeo creaciones que se expondrán en el museo a lo largo del 2021, disponible desde el 19 de febrero hasta el 13 de junio de 2021 y comisariada por Manuel Cirauqui. La artista Alex Reynolds (Bilbao, 1978) explora y pone a prueba las estructuras narrativas, secuencias de comandos y cadencias que intervienen en la construcción cinematográfica. Partiendo del registro inasible de la ficción, su trabajo mide las tensiones entre espectador y testigo, los límites del punto de vista y el intercambio de emociones que atraviesan el dispositivo. Centrándose en el aspecto narrativo, analiza las relaciones de influencia y poder, los juegos y fallas que dominan estas comunicaciones, y plantea una excepción al automatismo de las imágenes. Así emergen los temas recurrentes de su investigación, del retrato (con y sin rostro) al ritmo (a veces musical) y la arquitectura (visible e invisible).

Los locos años veinte

La exposición, disponible desde el 7 de mayo hasta el 19 de septiembre y comisariada por Cathérine Hug, curator de museo Kunsthaus Zürich y Petra Joos, se centra en Berlín y París como ejemplos de metrópolis en las que se generaron realidades específicas de la década de 1920 como son la libertad sexual, el baile o el feminismo, pero incluye también miradas a otros núcleos de vanguardia, como Viena y Zúrich. Denominados “les années folles” en el mundo de habla francesa o “Die wilden Zwanziger” en los países germánicos, los locos años veinte constituyeron un fenómeno que surgió simultáneamente en todas las grandes ciudades del hemisferio occidental.

"Siempre se les dice que son los locos años veinte, pero tan locos no eran. Se desarrollaron entre dos guerras, salían del trauma de una guerra y a finales de los años 20 entramos en otra. Lo interesante de la exposición son las distintas facetas que se ven: el baile, el feminismo, la nueva percepción del cuerpo, la libertad sexual... Muchas cosas que hoy en día pensamos que hemos inventado hace 30 años y que en aquel momento existían", explicó la curator Petra Joos.

Esta muestra, que es resultado de una colaboración entre el museo vasco y el suizo, también hace hincapié en el diseño y la arquitectura de la época, además de diferentes estilos de música como son el charlestón o el jazz.

La línea del ingenio

La línea del ingenio, disponible desde el 11 de junio hasta el 6 de febrero de  2022 y comisariada por Lekha Hileman Waitoller, explora una selección de obras de la Colección Propia del Museo Guggenheim Bilbao y algunos de sus préstamos a largo plazo, cuyos rasgos comunes son el humor, el ingenio y la experimentación. Implacablemente inquisitivas, estas piezas emplean materiales y técnicas inusuales, y muchas de ellas desafían, de manera lúdica, convenciones sociales y estéticas, poniendo de relieve su ingenio. La primera sala de la exposición reúne obras creadas con tecnologías y procesos poco ortodoxos, como es el caso de Hichiko Happo, de Yoko Ono, un trabajo compuesto por nueve lienzos que fueron pintados durante una performance realizada ante el público en el Museo. La segunda galería se compone de una serie de piezas de naturaleza figurativa, que muestran las infinitas posibilidades con las que los artistas representan sus temas.

Film & Video: Cecilia Bengolea. 'Lightning Dance' 

Cecilia Bengolea (Buenos Aires, 1979) es una artista multidisciplinar cuya práctica aúna vídeo, coreografía y escultura. Lightning Dance, disponible desde el 24 de junio hasta el 26 de septiembre y comisariada por Manuel Cirauqui, presenta una serie de trabajos realizados por Bengolea en torno a la cultura dancehall de la isla de Jamaica. Esta vibrante pieza investiga la influencia de la electricidad atmosférica en el comportamiento y la imaginación. El ritmo que construye el vídeo muestra un constante entrelazamiento de sonidos musicales y ambientales, truenos y percusiones, sincronizados como parte de un único sound system. La danza es, para estos grupos de bailarines, no solo una forma de expresión; también está dotada de poderes curativos. A esta pieza se unen obras de animación digital, ilusiones casi holográficas en las que la artista visualiza las transformaciones fantásticas de un cuerpo en perpetuo cambio.

Alice Neel: People Come First 

Se trata de la primera retrospectiva en España dedicada a la artista estadounidense Alice Neel (1900–1984), que estará disponible desde el 17 de septiembre hasta el 23 de enero y está comisariada por Kelly Baum, Cynthia Hazen Polsky y Leon Polsky, curatoras del Contemporary Art, y Randall Griffey, curatora del Modern and Contemporary Art, The Met y Lucia Agirre del Museo Guggenheim Bilbao.

La exposición es una recopilación de un centenar de pinturas, dibujos y acuarelas creados durante casi siete décadas de trabajo, que muestran imágenes de activistas manifestándose contra el fascismo y el racismo junto a pinturas de víctimas empobrecidas por la Gran Depresión, retratos de los convecinos de Neel en el barrio neoyorquino de Spanish Harlem, líderes de diferentes organizaciones políticas, intérpretes y artistas queer, o miembros de la diáspora global de Nueva York. La muestra incluye también las acuarelas y pasteles eróticos de Neel de los años treinta, retratos de madres o pinturas de figuras desnudas (algunas visiblemente encintas), cuya ingenuidad e irreverencia no tienen precedentes en la historia del arte occidental.

"Su obra se centra en retratos. En su última etapa realiza autorretratos desnuda, algo que para la época fue revolucionario. Mostrar el cuerpo femenino desde la mirada de otra mujer fue algo que en la época chocó bastante. Fue una artista que se alejó de los círculos artísticos y vivía con la gente más pobre y desfavorecida. En casi toda su obra, las personas que ella retrata principalmente son personas desconocidas, de la calle, personas con las que se sentaba durante horas y tenía una relación especial. Con su obra trataba de captar el alma de estas personas, no simplemente retratarlas", ha explicado Lucía Agirre.

La totalidad de la obra de Neel refleja el drama de las calles de Nueva York, la belleza cotidiana de sus edificios y, lo que es más importante, la diversidad, resiliencia y pasión de sus ciudadanos: “Para mí, la gente es lo primero”, declaraba en 1950. “He intentado reivindicar la dignidad y la incesante importancia del ser humano”.

Film & Video: Sharon Lockhart. 'La notación del movimiento de Noa Eshkol' 

Las videoinstalaciones y obras fotográficas de Sharon Lockhart (1964, Norwood, EE. UU.), que estarán disponibles desde el 7 de octubre hasta el 27 de febrero de 2022, prestan una especial atención a la acción humana y a sus modos de representación, en soledad o en sociedad. Desde el trabajo a la coreografía, ponen de relieve la complejidad y profundidad poética de un simple movimiento.

Mujeres de la abstracción

Mujeres de la abstracción, muestra disponible desde el 22 de octubre hasta el 27 de febrero, está organizada por el Centre Pompidou de París, en colaboración con el Museo Guggenheim Bilbao. Con ella, se pretende narrar la historia no contada del arte, fundamentalmente de los siglos XX y XXI, centrándose en la aportación de las mujeres artistas a la abstracción.

Esta exposición incluye la recopilación del trabajo de 200 artistas -reconocidas y desconocidas- de diversas disciplinas, como la danza, las artes aplicadas, la fotografía, el cine y la performance, procedentes de Latinoamérica, Oriente Medio y Asia, Europa y Estados Unidos.

"Muchas de las exposiciones dedicadas a la abstracción subestiman el papel fundamental que desempeñan las mujeres en el desarrollo de este movimiento. Centrándose en los caminos tomados por las artistas —algunas de ellas injustamente ignoradas—, la muestra propone una historia diferente. Mujeres de la abstracción arroja luz sobre los momentos clave que han marcado este movimiento, evocando la investigación llevada a cabo por las artistas, tanto de manera individual como en grupo, y las exposiciones más importantes", han indicado desde el museo.

Esta última muestra se expondrá en el Centre Pompidou de París y en el Museo Guggenheim de Bilbao, pero contará en Bilbao con la obra de dos artistas españolas que no expondrán su obra en el centro parisino: la artista vasca Esther Ferrer, que mostrará un conjunto de dibujos de su obra 'Poema de los números primos' y la artista catalana Aurèlia Muñoz, cuya obra formará parte de una serie de trabajos de tapiz de entre los años 1960 y 1970.

Arte

 

Buscando un mejor entorno que permita la movilidad internacional

ARCOmadrid 2021 se celebrará del 7 al 11 de julio

LQYTD (30-09-2020)

IFEMA y el Comité Organizador de ARCOmadrid han acordado trasladar excepcionalmente la celebración de la 40 ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo a la semana del 7 al 11 de julio de 2021. Una meditada decisión impulsada por la permanente voluntad de ofrecer una feria con garantías de éxito comercial para las galerías participantes, en unas fechas en las que previsiblemente se vivirá un mejor entorno que permita la movilidad internacional, y con ello el encuentro con galerías, coleccionistas y profesionales de todo el mundo, y que permita el desarrollo de la Feria en un contexto económico más estable.

En esta decisión ha tenido un importante peso la celebración del 40ª Aniversario de la Feria, una edición que se está proyectando de forma especial un programa de amplia repercusión a nivel internacional, que se verá afianzado en sus nuevas y excepcionales fechas de celebración. Asimismo, su convocatoria en julio permitirá ampliar el tiempo de trabajo y preparación de proyectos a galerías, instituciones y agentes de la ciudad de cara a la celebración de ARCOmadrid 2021, y garantizar a profesionales llegados de todos los rincones del mundo, y al público, un contexto más seguro y unas condiciones sociales y comerciales más favorables.   

La internacionalidad de la feria y la calidad de sus contenidos artísticos seguirán rigiéndose como pilares esenciales de ARCOmadrid 2021 en una especial edición, la de su 40 Aniversario, que aspira a ser momento de reencuentro y reactivación de nuevas oportunidades para todo el sector del arte contemporáneo.

La próxima convocatoria de ARCOmadrid reunirá, como parte de su homenaje al sector en estos 40 años de historia, a una selección de grandes nombres del galerismo internacional, galerías que han tenido presencia en la feria a lo largo de su trayectoria, y que serán invitadas a participar en la sección “ARCO 40 Aniversario” -comisariada por María Inés Rodríguez, directora de Tropical Papers y comisaria adjunta de arte moderno y contemporáneo de MASP, São Paulo; Sergio Rubira, Comisario independiente y Profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, y Francesco Stocchi, comisario de Arte Moderno y Contemporáneo del Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, y co-curador de la 34ª Bienal de São Paulo-.

Esta especial participación se presenta como complemento a los contenidos que presentarán las galerías seleccionadas por el Comité Organizador en el Programa General, y las participantes en la sección Opening, cuya selección será realizada por Övül Durmuşoğlu, crítica y comisaria independiente, Berlín, y Julia Morandeira, comisaria e investigadora, Madrid.

 

En la sala CentroCentro de Madrid

Botero, 60 años de pintura

Fernando García (La Vanguardia 17-09-2020)

Vuelve Fernando Botero a Madrid con sus excesos y deformaciones. Vuelve con sus colores rotundos y sus tallas grandes. Lo hace a través de una gran exposición con 67 obras de formato igualmente grande montada en las amplias salas del espacio CentroCentro que el Ayuntamiento de Madrid alberga en su sede de la plaza de Cibeles. Una alegría para la vista en estos tiempos tristones y nada fáciles para el arte.

La muestra, titulada Botero: 60 años de pintura, es una retrospectiva que en realidad recorre medio siglo de su trayectoria y se centra más bien en los últimos tres decenios del autor, e incluye algunas de los recientes trabajos que viene haciendo en acuarela sobre lienzo: la última innovación en un artista con un estilo muy marcado pero siempre abierto a “experimentar, cuestionar y reinventar sus propias barreras”, en palabras de la comisaria de la monográfica, Cristina Carrillo de Albornoz.

La muestra, que permanecerá abierta hasta el 7 de febrero, se surte de préstamos de coleccionistas particulares europeos y ha sido organizada entre la empresa Arthemisia y el consistorio madrileño. El propio alcalde, José Luis Martínez-Almeida, la presentó el pasado día 16 junto a la hija del artista colombiano, quien debido a sus 88 años de edad y pese a encontrarse “en plena forma” –según ella– no viajó a la capital española “por prudencia”.

La exposición incluye piezas muy recientes de acuarela en lienzo: lo último de un artista que no para

Relación estrecha con España

Botero conoció España en 1952, cuando tenía 20 años. “Vino como estudiante de Arte. Un estudiante muy pobre”, recuerda su hija en conversación con La Vanguardia. Si el joven pintor pudo saltar el charco fue gracias al dinero que recibió al ganar el segundo premio del IX Salón Anual de Artistas Colombianos en Bogotá, en concreto por su cuadro Frente al mar. Después de una breve estancia en Barcelona, se instaló en Madrid para matricularse como estudiante en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

“Él se dedicó a copiar a los grandes maestros del Prado para aprender todo lo que pudo de ellos. Pues fue aquí donde por fin se encontró con el gran arte, la gran pintura en los museos; algo que no existía entonces en Colombia. Y aquí le surgieron infinitas posibilidades plásticas, y especialmente el tema de la corrida de toros, tan importante en su obra”, prosigue Lina Botero. Por eso, “y aunque en aquel tiempo pasó hambre y penalidades”, la posibilidad de regresar ahora con sus pinturas a Madrid –donde ya presentó sendas exposiciones en el Reina Sofía en 1987 y en el 1994 con esculturas monumentales en el paseo de Recoletos– representa para él “una emoción enorme”.

Viene al caso hablar de la juventud de Botero no sólo porque estemos ante una retrospectiva con cuadros suyos desde el año 1967 (Ecce Homo ) –y hasta el año pasado, con ocho acuarelas de temas variados–, sino por la importancia que la adolescencia y la infancia tienen en toda la producción del artista de Medellín. “Los recuerdos de cuando era niño o muy joven forman el núcleo de la obra de mi padre”, explica la hija. Aunque esto ya lo dejó escrito él mismo: “Mi pintura refleja un mundo que conocí durante mi juventud. Es una especie de nostalgia u obsesión que he convertido en el tema central de mi trabajo”.

Los 67 cuadros colgados en CentroCentro son una muestra generosa del arte pictórico de Botero. Sobre todo teniendo en cuenta el tamaño de las telas –casi siempre de más de 150 X 100 centímetros y en muchos casos superiores a los 200 X 150–, y las especiales dificultades para mover las piezas bajo las restricciones debidas a la pandemia. Pero el colombiano siempre fue un creador prolífico, y el conjunto de su producción consta de unos 3.000 óleos, algo más de 200 esculturas y alrededor de 12.000 dibujos a lápiz, carboncillo, pastel y sanguina.

Fascinado por un circo ambulante

 “Él nunca ha parado de trabajar”, continúa Lina Botero. Y recuerda cómo empezó a cultivar el tema del circo durante su mes de teóricas vacaciones. Fue hace 14 años en Zihuatanejo, un pueblo de pescadores en la costa pacífica de México. Una farándula ambulante atravesó la localidad en procesión para anunciar su llegada y próximas funciones. “Recuerdo que era un circo muy humilde pero muy bello. Mi padre quedó fascinado y enseguida se puso a dibujar figuras de los miembros de la compañía que luego convertiría en grandes óleos”.

Diez de aquellas pinturas, ejecutadas entre los años 2007 y 2008, conforman una de las siete secciones de la muestra de Madrid (“Circo”). Hay en ella, por supuesto, retratos de payasos, trapecistas, músicos, un contorsionista... Todos ellos con una cierta expresión de tristeza que choca con los vivos colores en que están pintados. Y todos en acción, como corresponde a su naturaleza, pero “con la serenidad y la estática propias de los personajes boterianos”, subraya la comisaria. La visión del desfile en Zihuatanejo llevó a Botero –añade– a “una profunda reflexión sobre el circo en tanto que tema artístico universal” tratado por maestros de gran impacto en su obra, como Picasso, Degas, Renoir, Matisse o Seurat.

Si la infancia es la columna vertebral del relato artístico de Botero, Colombia en particular y el sur de América en general son su asiento principal. De ahí que el repaso expositivo en Madrid se abra con la sección llamada “Vida latinoamericana”, formada por óleos de entre 1989 y 2006 como Bailarina en la barra, Mujer sentada, El baño, El final de la fiesta o el díptico El presidente y La primera dama, esta última adscrita a su serie de pinturas sobre políticos, militares y obispos.

Otro de los espacios de la muestra se dedica a la “Religión”, entendida como “excusa para explorar pictóricamente las situaciones, las formas, los colores, el vestuario y el mundo plástico y poético del clero, con humor y sátira”, según la comisaria. Las otras secciones son: “Versiones”, con las pinturas que hizo en homenaje a los grandes maestros de la historia del arte, como Velázquez, Piero della Francesca, Jan van Eyck o Rubens; “Naturaleza muerta”, donde unas Flores , una Pera o unas Piñas le sirven para explorar lo que llama “la naturalidad de la deformación”; “La corrida”, nutrida con escenas o simples figuras humanas y animales de la fiesta; y “Acuarelas sobre lienzo”, con esas ocho piezas recientes sobre temas que antes había tocado al óleo, como Carnaval, Guitarrista o Familia. No es todo Botero pero sí Botero a lo grande, como en él corresponde.

Las 10 pinturas más famosas del mundo

 

¿Cuáles  son las pinturas más famosas del mundo? ¿Las más visitadas en los museos en los que están expuestas? ¿Las que han alcanzado cifras más astronómicas en las subastas? ¿Las más conocidas por el ciudadano de a pié?   

La agencia CNN ha establecido un “ranking” en el que las diez primeras son estas:

Cada año, miles de millones de dólares en arte pasan por las casas de subastas internacionales, mientras que los principales museos tienen decenas de miles, incluso cientos de miles, de obras de arte en sus colecciones. Pero muy pocos logran la fama requerida para ser realmente considerados nombres conocidos.

Como “famoso” es un término subjetivo, CNN Estilo recurrió a Google para ver qué cuadros encabezaron los resultados de búsqueda en todo el mundo durante los últimos cinco años.

Comparamos docenas de obras maestras populares, desde clásicos como “Mona Lisa”, “The Great Wave off Kanagawa” y “Salvator Mundi”, hasta obras más modernas como “Nighthawks” e incluso la serie “Dogs Playing Poker”.

Basado en esos resultados, estas son las 10 pinturas más buscadas del mundo:

1. Mona Lisa

Si tenías dudas sobre la gran popularidad de “Mona Lisa”, las multitudes en el Louvre lo convencerán.

Artista: Leonardo da Vinci

Fecha estimada: 1503 a 1519

Dónde verlo: Museo del Louvre (París)

No debería ser una sorpresa que la pintura más famosa del mundo sea esa misteriosa mujer con la enigmática sonrisa. Pero esa es una de las pocas certezas sobre esta obra de arte.

Se cree que la modelo de la pintura es Lisa Gherardini, la esposa del comerciante de Florencia Francesco del Giocondo, pero los expertos no están seguros. Representaba una innovación en el arte: la pintura es el primer retrato italiano conocido que se enfoca tan de cerca en la modelo en un retrato de medio cuerpo, según el Louvre, donde se instaló por primera vez en 1804.

Sabías que: Antes del siglo XX, los historiadores decían que la Mona Lisa era poco conocida fuera de los círculos artísticos. Pero en 1911, un ex empleado del Louvre robó el retrato y lo escondió durante dos años. Ese robo ayudó a cimentar el lugar de la pintura en la cultura popular desde entonces y expuso a millones de personas al arte renacentista.

2. La última cena

Visitantes toman fotos de “La Última Cena” (“Il Cenacolo o L’Ultima Cena”) en el Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán, Italia.

Artista: Leonardo da Vinci

Fecha estimada: 1495 a 1498

Dónde verlo: Santa Maria delle Grazie (Milán, Italia)

Leonardo, el “Hombre del Renacimiento” original, es el único artista que aparece en este lista dos veces.

Pintado en una época en la que las imágenes religiosas todavía eran un tema artístico dominante, “La Última Cena” representa la última vez que Jesús partió el pan con sus discípulos antes de su crucifixión.

La pintura es en realidad un gran fresco: mide 4,6 metros de alto y 8,8 metros de ancho, lo que lo convierte en una vista memorable.

Sabías que: El fresco ha sobrevivido a dos amenazas de guerra: las tropas de Napoleón usaron la pared del refectorio en el que se pintó el fresco como práctica de tiro. También estuvo expuesto al aire durante varios años cuando los bombardeos durante la Segunda Guerra Mundial destruyeron el techo del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.

3. La noche estrellada

Turistas miran “La noche estrellada” de Vincent Van Gogh en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Artista: Vincent van Gogh

Fecha: 1889

Dónde verlo: Museo de Arte Moderno (Nueva York)

La pintura comparativamente abstracta es el ejemplo característico del uso innovador y audaz de pinceladas gruesas de van Gogh. Los llamativos azules y amarillos de la pintura y la atmósfera de ensueño y remolinos han intrigado a los amantes del arte durante décadas.

Sabías que: Van Gogh vivía en un manicomio en Saint-Rémy, Francia, en tratamiento por enfermedad mental, cuando pintó “La noche estrellada”. Se inspiró en la vista desde la ventana de su habitación.

4. El Grito

“El Grito” de Edvard Munch siendo instalado para una exposición especial en el Museo Metropolitano de Arte de Tokio.

Artista: Edvard Munch

Fecha: 1893

Dónde verlo: Museo Nacional (Oslo, Noruega – apertura en 2020) y Museo Munch (Oslo – hasta mayo de 2020)

Primero lo primero: “El Grito” no es una sola obra de arte. Según el blog del Museo Británico, hay dos pinturas, dos pasteles y luego un número no especificado de impresiones. Las pinturas residen en el Museo Nacional y el Museo Munch, y en 2012, uno de los pasteles se vendió por casi 120 millones de dólares en una subasta.

Al igual que el caso de “Mona Lisa”, los atrevidos robos (1994 y 2004) de las dos versiones de pintura de “El Grito” ayudaron a elevar la conciencia del público sobre las obras de arte. (Ambos fueron finalmente encontrados).

Sabías que: La figura andrógina en la vanguardia de la pintura de estilo Art Nouveau no está dando un grito, sino que está tratando de bloquear un grito penetrante que proviene de la naturaleza. Se inspiró en una experiencia real que Munch tuvo mientras daba un paseo al atardecer en Oslo cuando un tono rojo dramático abrumaba sus sentidos.

5. Guernica

Vista del “Guernica” de Pablo Picasso en el Museo Reina Sofía de Madrid, España.

Artista: Pablo Picasso

Fecha: 1937

Dónde verlo: Museo Reina Sofía (Madrid)

Esta es la pintura más reciente en esta lista, y representa el bombardeo aéreo alemán de la ciudad de Guernica durante la guerra civil española.

La pintura tiene ese estilo distintivo de Picasso, y su examen inquebrantable de los horrores de la guerra la convirtió en una parte esencial de la cultura y la historia del siglo XX.

Sabías que: El “Guernica” fue trasladado al Museo Metropolitano de Arte Moderno de Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial para su custodia. Picasso solicitó que se extienda la estancia hasta que la democracia regrese a España. Finalmente regresó a Madrid en 1981, seis años después de la muerte del dictador español, el general Francisco Franco.

6. El beso

Visitantes admiran “El beso” de Gustav Klimt en el Belvedere Superior de Viena, Austria.

Artista: Gustav Klimt

Fecha estimada: 1907 a 1908

Dónde verlo: museo Upper Belvedere (Viena, Austria)

Con el número 6, pasamos de un estudio de odio a un estudio de amor con el amado beso de Gustav Klimt.

Del “Período Dorado” de Klimt, las influencias artísticas bizantinas se pueden ver en las túnicas altamente decorativas que usa la apasionada pareja de tamaño natural.

El museo Upper Belvedere dice que con “El beso”, Klimt hace una “declaración alegórica general sobre el amor como el corazón de la existencia humana”. Dado su atractivo magnético, parece que la gente está de acuerdo.

Sabías que: Si bien “The Kiss” no está a la venta, otras obras de Klimt se compran y venden por grandes sumas. Oprah Winfrey se quedó con la obra de arte de 1907, “Retrato de Adele Bloch-Bauer II”, por $ 150 millones en 2016, con una ganancia de $ 60 millones.

7. La joven de la perla

Un periodista toma una foto de “La joven de la perla” de Johannes Vermeer en el Museo Mauritshuis en La Haya, Países Bajos.

Artista: Johannes Vermeer

Fecha estimada: 1665

Dónde verlo: Mauritshuis (La Haya, Países Bajos)

Este intrigante favorito a menudo se compara con la “Mona Lisa”. Además de las diferencias estilísticas, técnicamente “Girl With a Pearl Earring” no es ni siquiera un retrato, sino un “tronie”, una palabra holandesa para una pintura de una figura imaginaria con rasgos exagerados.

La obra maestra del óleo sobre lienzo es brillante en su simplicidad. La niña, que llevaba un turbante azul y dorado y un arete de perlas de gran tamaño, es todo el foco con solo un fondo oscuro detrás de ella.

Sabías que: Mientras que los Mauritshuis fueron renovados de 2012 a 2014, esta obra de arte hizo una gira en Estados Unidos, Italia y Japón. Atrajo a grandes multitudes, reforzando aún más su estatus como una de las obras de arte más famosas del mundo.

8. El nacimiento de Venus

Un periodista examina “El nacimiento de Venus” del pintor italiano Sandro Botticelli durante una vista previa de la prensa en la Galería Uffizi en Florencia, Italia, en octubre de 2016.

Artista: Sandro Botticelli

Fecha estimada: 1485

Dónde verlo: Le Gallerie Degli Uffizi (Florencia, Italia)

‘El nacimiento de Venus’, es la pintura más antigua en el top 10 y compite con “El beso” entre los más sensuales fue probablemente comisionado por un miembro de la familia Medici, rica y amante del arte, que gobernó Florencia y las áreas cercanas durante siglos.

Al casarse con un renovado interés en la cultura griega clásica con el estilo del Renacimiento temprano, Botticelli crea una figura inolvidable con la Diosa del Amor que emerge de una enorme concha de vieira.

Sabías que: “Venus” de Botticelli presenta dos desviaciones significativas de la mayoría de las otras obras de sus contemporáneos.

Primero, pintó sobre lienzo en lugar de la madera, que era más popular. En segundo lugar, la desnudez era rara en este momento, por lo que era atrevido que Venus estuviera completamente expuesta menos su cabello largo y suelto y una mano (apenas) cubriendo las partes más íntimas de su cuerpo.

9. Las Meninas

“Las Meninas” de Diego Velázquez se ve en el museo del Prado el 19 de noviembre de 2013 en Madrid, España. (Crédito: Denis Doyle / Getty Images)

Artista: Diego Velázquez

Fecha: 1656

Dónde verlo: Museo del Prado (Madrid)

Madrid es la única ciudad en este resumen donde encontrarás dos de las 10 pinturas más famosas; la primera es “Guernica” en el número 5 y “Las Meninas”, aquí en el número 9.

 

Ubicado en el popular (y vasto) Museo del Prado, ”Las Meninas” no es solo la pintura más famosa de Diego Velázquez, sino también una de las más grandes. La complejidad del trabajo ha fascinado a los críticos de arte y al público durante siglos.

La pintura cumple una doble función como retrato. Sirve como un retrato grupal de la realeza española, pero también es un autorretrato del propio Velázquez en la obra (a la izquierda)

Sabías que: “Las Meninas” fue encargada por el rey Felipe IV de España, que gobernó desde 1621 hasta 1665. Permaneció en el palacio real hasta 1819, cuando fue al Museo del Prado.

10. ‘Creación de Adán’

Artista: Miguel Ángel

Fecha: 1508 a 1512

Dónde verlo: Capilla Sixtina (Ciudad del Vaticano)

La obra más famosa del reconocido artista Michelangelo cubre una sección del techo de la Capilla Sixtina (tienes que mirar hacia arriba para verlo). La escena representa a Dios y a Adán con los brazos extendidos, sus dedos casi tocándose. Es una de las imágenes más replicadas de la historia.

La forma muscular de Adán insinúa el otro talento de Miguel Ángel: su “David” es posiblemente la escultura más famosa del mundo. Puedes ver la imponente estatua de mármol en la Galleria dell’Accademia en Florencia.

Sabías que: El techo de la Capilla Sixtina había sido opacado por siglos de exposición al humo de las velas, entre muchas otras cosas. Después de una limpieza larga y extensa que terminó en 1989, la gente se sorprendió al ver los colores brillantes y vibrantes que Miguel Ángel usó originalmente.

Otras cinco pinturas que se acercaron

Aquí hay cinco pinturas más famosas que estuvieron cerca de entrar en la lista de las 10 principales:

– American Gothic (Grant Wood, Instituto de Arte de Chicago)

– Serie “Lirios de agua” (Claude Monet, varios museos en todo el mundo)

– “La persistencia de la memoria” (Salvador Dali, Museo de Arte Moderno de Nueva York)

– “La Guardia Nocturna” (Rembrandt, Rijksmuseum en Amsterdam)

– “El Jardín de las Delicias” (Hieronymus Bosch, Museo del Prado, Madrid )